Líra festett ábra

Líra festett ábra



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Tartalom

PORTRÉ

Baldassare Castiglione portréja
(1514-15) Louvre, Párizs. Az egyik
legnagyobb portréfestményei
a magas reneszánsz zseni Raphael.

A festményeket hagyományosan öt kategóriába vagy „műfajba” sorolják. Ezeknek a műfajoknak a megalapozása és egymáshoz viszonyított státusza a nagy európai képzőművészeti akadémiák - például a londoni Royal Academy és a befolyásos francia képzőművészeti akadémia - által népszerűsített művészetfilozófiából fakad.Beaux-Arts Academie).

A képzőművészeti festészet öt kategóriája, hivatalos rangsoruk vagy fontosságuk szerint felsorolva, a következők:

1. Festménytörténet
Vallási, történelmi vagy allegorikus mű, erkölcsi üzenettel.
2. Portré Art
Egyéni, csoportos vagy önarcképeket tartalmaz.
3. Műfaj Festmény
A mindennapi élet jelenetei.
4. Tájkép festmény
Festmények, akiknek a tartalom festői látvány.
5. Csendélet festmény
Háztartási tárgyak vagy mindennapi tárgyak elrendezése.

TÁJKÉP

Alsó -Norwood hó alatt (1870) Nemzeti Galéria, London.
Camille Pissarro. Az egyik híres
Impresszionista tájképei
századi francia iskola.

CSENDÉLET

Virágcsokor (1884)
Írta: Ivan Kramskoy.
Tretjakov Galéria, Moszkva.
Az egyik nagy csendélet
Századi orosz festészet.

Miért értékelték a festményeket?

Ezt a „műfajhierarchiát” fogadták el a & kvótaakadémiai művészet & quot Olaszországban, ahol az Egyház nagy mennyiségű műalkotást rendelt meg a templomok nyilvános bemutatására, az erkölcsi vagy felemelő üzenetet hordozó nagyméretű festményeket tartották a művészet legmagasabb formájának. Míg a táj és a csendéletek jellemzően nem tartalmaztak embereket és így erkölcsi üzenetet sem.

Ez a reneszánsz rangsorolási rendszer, amely az európai és későbbi amerikai képzőművészeti akadémiákon tanított hivatalos és kvótaakadémiai művészet alapját képezte, csak a 19. században került komoly kihívás elé, annak ellenére, hogy Észak -Európa régi mesterei (vagyis az Flandriában, Hollandiában, Németországban, Nagy -Britanniában és Skandináviában) egészen más festési hagyományokat és módszereket fejlesztettek ki, mint Olaszországban és Spanyolországban. Például 1520 -tól Észak -Európa elutasította Rómát, és helyette a protestáns hitet fogadta el. És mivel a protestáns vallási vezetők teljesen elutasították azt az elképzelést, hogy templomukat drága műalkotásokkal díszítik, az északi művészek kénytelenek voltak a középosztálybeli pártfogókhoz fordulni, akik kis méretű festményeket - portrékat és csendéleteket, valamint műfaji festményeket - akartak felakasztani. otthonukban.

Ezt a váltást tovább ösztönözte az a tény, hogy az észak -európai éghajlat, mivel nedvesebb, kevésbé volt alkalmas freskófestésre, és inkább olajfestményre, amely ideális közeg volt a holland realizmus részletes művészeti stílusához.

A rangsorolási rendszer annyira népszerűtlenné vált a művészek körében a 19. század folyamán, mert a rendszert alkalmazták. Az akadémiák (nevezetesen a Francia Akadémia) konzervatív intézmények voltak, amelyek merev, változatlan tanítási gyakorlatot követtek, és ragaszkodtak ahhoz, hogy minden művész kövesse a konvenciók részletes szabályait (a témával, a kompozícióval, a színekkel, a befejezéssel stb. Kapcsolatban) a műalkotás létrehozásakor. A szabálytalankodók büntetései közé tartozott az Akadémia éves "szalonjából" való kizárás, ami sorsa lehetetlenné tette a művészi pálya folytatását. Ezenkívül az esztétika e hajthatatlan szemlélete nem engedett az új mozgalmaknak, mint például a romantika vagy a realizmus, vagy a fejlődő műfajoknak, például a tájképnek és a műfajfestészetnek. A 19. század közepére vita dúlt a hagyományőrző tudományos művészet hívei és nyitottabb kritikusaik között.

Híres festmények minden kategóriában

Hagyományosan a műfajok közül a legelismertebb, & quottörténelemfestés& quot nem korlátozódik a "történelmi jeleneteket" ábrázoló képekre. A kifejezés az olasz & quotistoria & quot szóból származik, amely elbeszélést (történetet) jelent, és olyan festményekre utal, amelyek az erkölcsi figurák példaértékű tetteit és küzdelmeit mutatják be. Ez magában foglalja a bibliai személyeket érintő keresztény képeket, valamint a mitológiai vagy pogány istenségeket magában foglaló mitológiai festészetet és a valós élet történelmi személyiségeit. A történelemfestmények - hagyományosan nagyszabású közmunkák - a közösség erkölcsének emelését célozzák.

Híres történelmi festmények

Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)

Stroganoff Madonna és gyermeke (1300)
Tempera és arany a fán, New York -i Metropolitan Museum.
Maesta oltárkép (1308-1311)
Tempera és arany a fán, Siena Cathedral Museum.

Scrovegni kápolna freskói (c.1303-10)
Freskófestés, Cappella degli Scrovegni, Padova.
- Krisztus elárulása (Júdás csókja) (1305)
- Krisztus siralma (1305)

Robert Campin (c.1378-1444)

Seilern Triptichon (1410)
Olajok/arany levél a panelen, Courtauld Institute, London.
Merode oltárkép (c.1425)
Olaj, panel, Cloisters, Metropolitan Museum of Art New York.

Limbourg testvérek (fl. 1390-1416)

Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Gouache a vellumon, Musee Conde, Chantilly.

Jan Van Eyck (1390-1441)

Genti oltárkép (1425-32)
Olaj, fa, Szent Bavo székesegyház, Gent.

Paolo Uccello (1397-1475)

A San Romano -i csata (1438-55) (TÖRTÉNETI)
Tempera panel, National Gallery London Uffizi Florence Louvre Paris.

Tommaso Masaccio (1401-28)

Brancacci -kápolna freskói (1424-8)
Freskó festmény, Santa Maria del Carmine, Firenze.
Szentháromság (1428)
Freskó festmény, Santa Maria Novella, Firenze.

Piero Della Francesca (1415-92)

Krisztus lobogtatása (1450-60)
Tempera a panelen, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Siralom a halott Krisztus felett (c.1470-80)
Tempera a panelen, Pinacoteca di Brera, Milánó.

Hans Memling (c.1433-94)

Utolsó ítélet triptichon (1471)
Olaj, panel, Muzeum Narodowe, Gdansk.
Donne Triptych (1480)
Olaj, panel, National Gallery, London.

Hugo Van Der Goes (1440-1482)

Portinari oltárkép (1479)
Olaj, fa, Uffizi Galéria, Firenze.

Sandro Botticelli (1445-1510)

La Primavera (1483) (ALLEGORICAL festészet)
Tempera a nyárfán, Uffizi, Firenze.
Vénusz születése (1486) (ALLEGORICAL festészet)
Tempera vásznon, Uffizi, Firenze.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Sziklák szűz (1483-5)
Olaj, panel, Louvre, Párizs.
Az utolsó vacsora (1495 㫺) (Il Cenacolo vagy L'Ultima Cena)
Vegyes technika/olaj és tempera, Santa Maria delle Grazie kolostor, Milánó.

Matthias Grunewald (c.1475-1528)

Az Isenheim -oltár (c.1515)
Olaj, fa panel, Unterlinden Múzeum, Colmar.

Michelangelo (1475-1564)

Genesis Fresco (1508-12)
Freskó festmény, Sixtus -kápolna mennyezete, Róma.
Ádám teremtése (1511-12)
Freskó, Sixtus -kápolna, Róma.
Utolsó ítélet freskója (1536-41)
Freskó festmény, Sixtus -kápolna oltárfala, Róma.

Athéni Iskola (Scuola di Atene) (1509-11) (TÖRTÉNETI)
Freskó, Stanza della Segnatura, Vatikán.
Sixtus Madonna (1513-14)
Olaj, vászon, Gemaldegalerie Alte Meister, Drezda.
Átváltozás (1518-20)
Olaj, panel, Pinacoteca Apostolica, Vatikán.

Szűz mennybemenetele (1516-18)
Olaj/panel, Saint Maria Gloriosa dei Frari, Velence.

Pieter Bruegel, az idősebb (c.1525-1569)

Holland közmondások (1559)
Olaj -tölgyfa panel, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
Az ártatlanok mészárlása (c.1565-7)
Olaj/panel, Kunsthistorisches Museum, Bécs.

Vacsora Emmausban (1601-2)
Olaj és tempera, vászon, National Gallery, London.

Rembrandt van Rijn (1606-69)

Jacques-Louis David (1748-1825)

A Horatii esküje (1785)
Louvre Múzeum, Párizs.
Marat halála (1793)
Musees Royaux des Beaux Arts, Brüsszel.

Portré művészet emberek, istenségek vagy mitológiai alakok képeit tartalmazza emberi formában. A műfaj magában foglalja a csoportportrékat, valamint az egyénekét. Az egyén portréja lehet csak arc, fej és vállak, vagy teljes test. Az akadémiai portrékészítés bizonyos, az öltözködésre, a kezek helyzetére és egyéb részletekre vonatkozó konvenciók szerint történik. Ezt a műfajt szinte minden mozgalom művészei gyakorolták, jellemzően élethű vagy realista stílusban. A tizenkilencedik századi portrék a mai realista stílust is tükrözték, míg később számos finom impresszionista portrét láthatunk, még színesebb expresszionista portrékkal, köztük Picasso által festett portrékkal.

Híres példák a portrékra:

Jan Van Eyck (1390-1441)

Ember egy vörös turbánban (1433)
Olaj, fa, Nemzeti Galéria, London.
Arnolfini arcképe (1434)
Olaj, fa, Nemzeti Galéria, London.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Hölgy hermellel (1490)
Olaj, panel, Czartoryski Múzeum, Krakkó.
Mona Lisa (1503-06)
Olaj, fa, Louvre, Párizs.

X. Leó pápa bíborosokkal (1518)
Olaj, panel, Galleria Palatina, Pitti Palace, Firenze.

Pál pápa unokáival (1546)
Múzeum Nazionale di Capodimonte, Nápoly.

Dr. Nicolaes Tulp anatómia leckéje (1632)
Olaj, vászon, Mauritshuis, Hága.
Éjjeli Őrség (1642)
Rijksmuseum, Amszterdam.
Jan Six portréja (1654)
Magángyűjtemény, Amszterdam.
A Ruhakészítők Céhének szindikája (1662)
Olaj, vászon Rijksmuseum, Amszterdam.

Jan Vermeer (1632-1675)

Lány gyöngy fülbevalóval (Egy turbán lány vezetője) (1665)
Mauritshuis, Hága.
Vörös kalapos lány (c.1666-1667)
Olaj/panel, National Gallery of Art, Washington DC.

MEGJEGYZÉS: A festők a & quotönarcképek& quot: a német reneszánsz művész, Albrecht Durer (1471-1528), a holland zseni Rembrandt (1606-69), a tragikus 19. századi expresszionista Vincent Van Gogh (1853-90), a rövid életű neurotikus osztrák csodagyerek Egon Schiele (1890) -1918), a hangulatos német festő, Max Beckmann (1884-1950) és a kortárs angol-ír művész, Francis Bacon (1909-92).

& quotMűfajfestésA "" vagy "műfajú jelenetek" a mindennapi élet hétköznapi jeleneteit ábrázoló képekre utalnak. A témák közé tartoznak a hazai környezet, a belső terek, az ünnepségek, a kocsmai jelenetek, a piacok és más utcai helyzetek. Bármi legyen is a pontos tartalom, a jelenetet általában nem idealizált módon ábrázolják, és a karaktereket semmilyen hősi vagy drámai tulajdonság nem ruházza fel. E művészeti kategória legelőkelőbb példája a 17. századi holland realista műfajfestészet iskolája volt.

Pieter Bruegel, az idősebb (c.1525-1569)

Holland közmondások (1559)
Olaj -tölgyfa panel, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
Vadászok a hóban (1565)
Olaj, tölgyfa panel, Kunsthistorisches Museum, Bécs.
Parasztlakodalom (1568)
Olaj, tölgyfa panel, Kunsthistorisches Museum, Bécs.

Jan Vermeer (1632-1675)

A Kis utca (c.1657-58)
Olaj, vászon, Rijksmuseum, Amszterdam.
Katona és nevető lány (c.1658)
Frick Collection, New York.
A tejeslány (c.1658-1660)
Rijksmuseum, Amszterdam.
Egyensúlyban lévő nő (1662-3)
National Gallery of Art, Washington DC.
Nő gyöngy nyaklánccal (c.1663)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.
A festészet művészete: allegória (c.1666-73)
Kunsthistorisches Museum, Bécs.
A Csipkekészítő (c.1669-1670)
Louvre, Párizs.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Zarándoklat Cytherába (1717)
Louvre, Párizs és Charlottenburg, Berlin.

Jean-Francois Millet (1814-75)

Edward Hopper (1882-1967)

Hotel szoba (1931)
Thyssen-Bornemisza Alapítvány, Lugano.
Nighthawks (1942)
Chicagói Művészeti Intézet.

A & quot kifejezéstájkép festményA "szó a holland" landschap "szóból származik, ami" földfoltot "jelent, és minden olyan képet jelöl, amelynek fő témája a festői kilátás ábrázolása, például mezők, dombtájak, hegyi lejtők, fák, folyók, erdők, tenger kilátások és tengeri tájak. Sok híres tájképen emberi alakok szerepelnek, de jelenlétük másodlagos elemnek kell lennie a kompozícióban.

A tájképet, mint önálló műfajt, a 17. századi holland festészeti iskola úttörője volt, később pedig olyanok fejlesztették ki, mint Constable és Turner az angol tájfestészeti iskolából, akik úttörő szerepet játszottak a szabadtéri festészetben is. Ez utóbbit Theodore Rousseau, Millet és a Barbizon Landscape Painting iskola más tagjai sajátították el, akik Párizstól délre, Fontainebleu környékén tevékenykedtek. Időközben Oroszországban a tájképfestést a Wanderers Art Movement, majd Franciaországban a világhírű impresszionizmus iskolája vette át, Monet, Renpir, Pissarro és Sisley vezetésével.

Híres tájképek

Megjegyzés: Monet, Turner és hasonlók magyarázatát a modern tájakról lásd: Modern festmények elemzése (1800-2000).

John Constable (1776-1837)

Csónaképítés a Flatford Mill közelében (1815)
Victoria & amp Albert Museum, London.
A széna Wain (1821)
Nemzeti Galéria, London.

A Lordok Házának felgyújtása és a Commons (1835)
Philadelphiai Művészeti Múzeum.
Hóvihar: Gőzhajó a kikötő száján (1842)
Tate Collection.

Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875)

Ville d'Avray (c. 1867)
Brooklyn Művészeti Múzeum, New York.

Amerikai tavi jelenet (1844)
Detroiti Művészeti Intézet.
Bővebben lásd: Hudson River Tájfestészeti Iskola (1825-75).

George Caleb Bingham (1811-79)

Szőrmekereskedők ereszkedve Missouri -ba (1845)
Fővárosi Művészeti Múzeum.
Lásd még: Luminism (1850-75).

Jean-Francois Millet (1814-75)

Frederic Edwin templom (1826-1900)

Cotopaxi (1862)
Detroiti Művészeti Intézet.

Claude Monet (1840-1926)

Pipacsok Argenteuil közelében (1873)
Musee d'Orsay, Párizs.
Vízililiom (1903) Művészeti Intézet, Dayton, Ohio.

Camille Pissarro (1830-1903)

Alsó -Norwood a hó alatt (1870)
Nemzeti Galéria, London.
A Zöldségkert (1879)
Ermitázs, Szentpétervár.
Bővebben lásd: Az impresszionista festészet jellemzői (1870-1910)

Alfred Sisley (1839-1899)

Ködös reggel (1874)
Musee d'Orsay, Párizs.
Az út Louveciennes -ben, télen (1874)
Magángyűjtemény.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Búzamező ciprusokkal, Saint-Remy (1889)
Nemzeti Galéria, London.
Lásd még: Az expresszionista festészet története (1880-1930).

Childe Hassam (1859-1935)

Boston Common at Twilight (1886)
Szépművészeti Múzeum, Boston.
Bővebben lásd: Amerikai impresszionizmus (1880-1900).

Egy & quotcsendélet festmény"" általában egy tárgyak (például virágok vagy mindennapi tárgyak csoportja) asztalra helyezett elrendezését foglalja magában. A holland „Stilleven” szóból származik, amely kifejezés a 17. századi holland festészetben a korábban „Gyümölcs” vagy „Virágdarabok” címet viselő képek leírására használt kifejezés. A csendélet-festészet egyik formája, amely bibliai vagy erkölcsi üzeneteket tartalmaz, Vanitas festmény néven ismert-ezt a holland realizmus képviselői gyakorolják, mint Harmen van Steenwyck (1612-56), Pieter Claesz (1597-1660), Jan Davidsz de Heem (1606) -83), Willem Kalf (1622-93) és Willem Claesz Heda (1594-1681).

Híres csendélet festmények

Albrecht Durer (1471-1528)

Egy fiatal nyúl (1502)
Akvarell festészet, Albertina, Bécs.

Nagy darab gyep (1503)
Akvarell festészet, Albertina, Bécs.

Jan Davidsz de Heem (1606-83)

Csendélet homárral és Nautilus Kupával (1634)
Staatsgalerie, Stuttgart.

Harmen van Steenwyck (1612-56)

Az emberi élet hiábavalóságainak allegóriája (1640)
Nemzeti Galéria, London.

Csendélet kínai porcelánüveggel (1662)
Gemaldegalerie, SMPK, Berlin.

Jean Chardin (1699-1779)

Az ezüst Tureen (1728)
Metropolitian Museum of Art, New York.

Roy Lichtenstein (1923-97)

Csendélet aranyhallal (1974)
Olaj és magna, vászon, Philadelphia Művészeti Múzeum.

• A festmények hagyományos osztályozásával kapcsolatos további információkért lásd: Honlap.


Viktoriánus mosóállvány

Ennek a szépen hangsúlyos, viktoriánus mosóállványnak festett panelekkel van felszerelve egy hátsó polc az állványhoz, amely összhangban van a festési sémával. Az első ajtók kinyílnak, hogy felfedjék a polcokat. Az aukciós ház által felsorolt ​​állapot jó -nagyon jó volt. A méretek 35 1/2 hüvelyk 29 hüvelyk 15 hüvelyk. Ezt a darabot 210 dollárért adta el a Morphy Auctions 2012 februárjában.


Még szintén kedvelheted

E -mail címének megadásával elfogadja Felhasználási feltételeinket és adatvédelmi irányelveinket, valamint hozzájárul ahhoz, hogy e -maileket kapjon a Time Out -tól hírekről, eseményekről, ajánlatokról és partnerpromóciókról.

Köszönjük, hogy feliratkozott! Nézze meg első hírlevelét hamarosan a postaládájában!

E -mail címének megadásával elfogadja Felhasználási feltételeinket és adatvédelmi irányelveinket, valamint hozzájárul ahhoz, hogy e -maileket kapjon a Time Out -tól hírekről, eseményekről, ajánlatokról és partnerpromóciókról.

Köszönjük, hogy feliratkozott! Nézze meg első hírlevelét hamarosan a postaládájában!


Az antik asztaloknak alapvetően két kategóriája van: hangsúlyos asztalok és étkezőasztalok. Az alábbi lista tartalmazza a leggyakoribb típusú antik asztalokat, amelyekkel valószínűleg találkozhat a gyűjtemények világában. Bár a nyomtatványok évszázadokra nyúlhatnak vissza, a legtöbb ma is gyakori, és antik és modern változatban is megtalálható.

Butler asztala: Ez a fajta ékezetes asztal könnyű, hordozható bútorként jött létre a 18. században. Tálcából és összecsukható állványból áll. Ez az aktuális TV-tálca asztal antik változata.

Pillangó asztal: Ez a csepp-levél, kapu-láb asztal egy kisebb asztal, amelyet étkezésre használnak, és valószínűleg Amerikában alakult ki a 18. század elején. A "pillangó" kifejezés a szárny alakú merevítőkre vonatkozik, amelyek használat közben feltartják a leveleket.

Konzol vagy mólóasztal: A konzol asztalnak egy sima, egyenes oldala van, amely a falhoz van helyezve. Az asztal másik oldala elég díszes lehet. A 17. század végi konzol- vagy mólóasztalok a falra erősített ékezetes asztalok voltak, amelyek vizuálisan emlékeztettek egy mólóra, amely a föld egyik végéből kilép a vízbe.

Demilune táblázat: Ennek az ékezetes táblázatnak a neve az alakjára utal. A Demilune franciául "félholdat" jelent. Ez az asztal félkör alakú, vagy levele van, amely leesik, és felemeléskor teljes kört alkot. Ezeket az asztalokat a fal mellett tárolták, és szükség szerint áthelyezték a helyiségbe.

Kapu-láb asztal: Ennek a hasznos, levehető étkezőasztalnak vannak lábai, amelyek (mint egy kapu) lengnek, hogy támogassák a leveleket, ha nagyobb asztalra van szükség. Ezeket az asztalokat gyakran használják kisebb környezetben, és a fal mellett tárolhatók, és ékezetes asztalként használhatók, ha nem étkezési célra használják őket.

Guéridon táblázat: Ezeket a 17. századi francia kis asztalokat eredetileg gyertyatartóként használták, sokszor párban, gyakran oszlopos vagy testalkatú talapzatokkal. Általában kör alakú vagy ovális tálcaszerű tetejük van. A "gueridon" kifejezés az akkori afrikai szolgákat leíró szó volt, amelyet néha az asztali terv testi alakjaiként is használtak.

Hutch asztal: Gyakran székasztalnak is nevezik, a teteje felpattan és bezárul, így az asztallap az ülés háttámlája, az alap pedig az ülés. Az alapnak gyakran van fiókja a tároláshoz, így a nevében a "kunyhó" hivatkozás. Ezek az étkezőasztalok a középkorból származnak, bár ezt a formát az 1600-as évek elején tökéletesítették, és Angliában és Amerikában is népszerűek maradtak a 19. század elején, mint helytakarékos, többcélú bútorok.

Kang asztal: Ez a fajta hosszú, alacsony hangsúlyos asztal modern koktélasztalként használható. Az 1300 -as évek Ming -dinasztiájából származnak, eredetileg Kínában használták őket egy kangon vagy egy emelt emelvényen alvásra vagy pihenésre.

Pembroke táblázat: A Pembroke asztal egy kicsi ékezetes asztal, amely hordozható, mindkét oldalán lehajtható kis levelekkel. Eredetileg az 1700-as évek közepére datálható Angliában ezek az asztalok általában téglalap alakúak, lekerekített élekkel. A kicsi levelek sokoldalúságot biztosítanak végső asztalként vagy kis tálalóasztalként, amikor felemelik őket.

Tea asztal: A tea hangsúlyos asztalokat a tea bemutatására használták, amikor a tea drága áru volt az amerikai forradalom előtt. Ezeket a kis, négyzet alakú asztalokat eltárolták az útból, majd a szoba közepére költöztették, amikor eljött a teaszolgálat ideje.

Piecrust táblázat: A Piecrust ékezetes asztaloknak általában három lába és kerek teteje van. A teteje széle mentén lévő fa dekoratív módon préselt, pitehéjra hasonlít. A piecrust asztalok népszerűek voltak a Queen Anne és a Chippendale időszakában, és gyakran teát szolgáltak fel.

Asztal asztal: Ez a fajta táblázat a középkorból származik. Téglalap alakú tetejük két vagy több állványon ül. Század fordulóján ez a stílus újjáéledt az amerikai művészeti és kézműves mozgalom idején. Ezek az asztalok ma gyakoriak parasztház stílusú vagy vidéki konyhás stílusú szobákban.


Ábra Festés

A „figurafestés” kifejezés pontatlan alternatívája a „figuratív festészet” ugyanolyan homályos gyűjtőfogalmának, amely maga is általában az ábrázoláson alapuló ábrázolási művészet egyik típusára utal, amelyben a középpontban az emberi forma realizmusa áll a „mesterségesebb” portréfilmről. Egyszerűen fogalmazva, a figurális festmények jellemzően informális helyzetben lévő emberek ábrázolását tartalmazzák, különösebb hangsúlyt nem fektetve az arcra.

Ennek ellenére a figuratív művek különböző stílusok széles skáláját ölelik fel, beleértve az impresszionizmust is Edgar Degas, expresszionizmusa Egon Schiele és a korabeli realizmus Lucian Freud. A figurális festészet legnagyobb kategóriája az akt. A kortárs expresszionista figurációt néha „neofiguratív művészetnek” nevezik.

Életrajz: az ábrafestés alapjai

Az életrajz a rajzolás tanulásának klasszikus módszere, amely a legtöbb képzőművészeti iskola tantervében megjelenik. A diákok tanulmányozzák és rajzolják az élő modell testét, jellemzően meztelenül, és emelt platformon. A legtöbb képzőművészeti szakértő ezt a legigazabb és leghitelesebb módszernek tartja az emberi test háromdimenziós alakjának és kontúrjainak ábrázolásának megtanulására, és nem meglepő, hogy a legnagyobb alakfestők többsége akadémián képzett.

A diákok különféle médiumokat használhatnak, beleértve a ceruzát, a szenet, a zsírkrétát, a krétát, a pasztellt, a tollat ​​és a tintát, vagy akár a festéket. Az 1900 -as években a Dublin Metropolitan School of Art működtette első életosztályát, amelyet William Orpen akadémikus portréfestő tanított.

Emberfigurák a festményekben

Nincs önálló műfaja a „figurafestésnek”. A festési műfajok a következőkre korlátozódnak: történelmi festmények, tájak, portrék, műfaji jelenetek (szokásos napi helyzetek), és csendélet. Mindazonáltal ezek a műfajok tartalmazhatnak figurális elemeket, sőt a művészettörténet tele van híres festőkkel, akiknek fő célja az emberi forma festése volt.

Ülő nő (1920), Picasso.
További részletekért lásd:
Picasso neoklasszikus festményei
(c.1906-30).

MŰVÉSZET JELENTÉSE?
Útmutató az esztétikai és
besorolási kérdések
képzőművészet/dekoratív/iparművészet, lásd:
Művészetdefiníció, jelentés.

Fulcrum (1997-99), szerző: Jenny Saville,
posztmodernistájáról és
néha zavaró ábrázolások
elhízott meztelen nőkről.

FIGURATÍV MŰVÉSZET
A hagyomány rövid áttekintéséhez
az aktból való rajzoláshoz lásd:
Női aktok a művészettörténetben (Top 20)
Férfi aktok a művészettörténetben (Top 10).

WORLDS TOP MŰVESEK
A legjobb kreatív gyakorlókért lásd:
Minden idők legjobb művészei.

A kőkorszaki barlangfestők voltak a történelem első primitív figurális művészei, akik rengeteg nyers ábrázolást tartalmaztak az emberi vadászokról. Őket egyiptomi festők követték, akik számtalan figurális alkotást festettek, akárcsak az ókori Görögország, Etruria és Róma művészei. Sajnos a klasszikus ókor freskóinak nagy része elpusztult.

Nagy alakfestők a reneszánsz

A legtöbb olasz reneszánsz régi mester kiválóan jártas a figurafestésben. Például Leonardo da Vinci részletes anatómiai ismerete, képessége az emberi fiziognómia képviseletében, valamint az, hogy a kifejezések és gesztusok hogyan tükrözik az érzelmeket, és a sfumato hogy finom árnyékolást hozzon létre, mind olyan híres figurafestmények tükröződnek, mint: Az utolsó vacsora, és a Sziklák szűz, többek között.

Michelangelo volt felelős a művészettörténet talán leglátványosabb és legbefolyásosabb alakfestményeiért - a bibliai képekért a római Sixtus -kápolna mennyezetén és oltárfalán. A mennyezeti freskó önmagában több mint 300 figurát tartalmazott. (Részletekért lásd: Sixtus -kápolna freskói.)

Olaszországon kívül a legnagyobb reneszánsz figurafestők Roger van der Weyden (Flandria) és Matthias Grunewald (Németország) voltak, akik odaadó oltárképei új mércét állítottak fel az emberi test ábrázolásában.

A 16. századi figurális festők közé tartozott Caravaggio - az első művész, aki nagy vallási személyiségeket „hétköznapi emberként” ábrázolt - lásd például olyan műveket, mint A Szűz halála (1601-6)-valamint Paolo Veronese nagy "díszlet-festő" Esküvői ünnepség Kánában (1563) és Lakoma a Lévi házban (1573).

Ábrafestők (1600-1800)

A 17. századi barokk korszakban a figurálás hagyományát olyan régi mesterek tartották fenn, mint Rubens, és a spanyol iskola Velazquez vezetésével. Olaszországban Poussin olyan remekműveket készített A szabin nők elrablása (1634-8). A 18. században csodálatos emberi formáknak lehettünk tanúi, amelyeket William Hogarth (lásd még az angol figurális festészet) és az akadémikus klasszikus J.A.D. Ingres - lásd az övét Valpincon Bather (1808).

Modern ábrafestés

Edouard Manet, a 19. századi francia impresszionista művész az egyik legnagyobb modern figura volt. Alanyai között voltak: prostituáltak, ivók, koldusok és énekesek, valamint a párizsi polgárság. Híres alakfestményei közé tartozik az Olympia (1863). Manet művészi hatása kortársaira, például Paul Gauguinra és Paul Cezanne -ra mély volt, akárcsak a későbbi művészekre, mint Pablo Picasso.

Ilja Repin, a termékeny orosz/ukrán realista műfajfestő és portréművész, precízen festett és megkomponált parasztok, forradalmárok, vallási felvonulások és hírességek vásznairól ismert.

Thomas Eakins, az amerikai figurális realista, tárgyfestő és akadémiai portréíró Max Schmitt egypárevezősben (1871) és A Gross Clinic (1875).

Edgar Degas, a francia impresszionista művész és tehetséges rajzoló, a festett emberi forma másik mestere volt. Képei Michelangelo és Manet munkáinak tanítványai, lelkes fotósok, balett -táncosok széles skáláját, baráti portréit, rendes párizsi nőit és női aktjait tartalmazza. Különösen az érdekelte, hogy az egyén fizionómiája, testtartása, öltözködése és egyéb tulajdonságai hogyan fedik fel társadalmi helyzetüket vagy foglalkozásukat. Számos virtuóz alakfestménye között szerepel: Táncosok a bárban (1888), és Nő a fürdőben (1886).

MEGJEGYZÉS: Cezanne munkája A nagy fürdőzők (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) egy másik nagy hatású figurafestmény volt, amely tájképi környezetben női aktokat mutatott be. A „klasszikus újjáéledés” része nagy hatással volt a hamarosan megjelenő kubistákra, Pablo Picassóra és Georges Braque-ra.

Századi figurafestészet

Pablo Picasso a 20. század elejének egyik legtehetségesebb figurafestője volt. Nézze meg különösen a következőket: Garcon a la Pipe (1905, magángyűjtemény), Lány egy kéményben (1905, Tate Collection) és Gertrude Stein arcképe (1906, Metropolitan Museum of Art, New York). Bár az absztrakt művészet nagy részéért felelős, Picasso a modern művészet klasszikus ébredésének (1900–30) kulcsfigurája is volt: lásd pl. Két akt (1906, MOMA, New York) Ülő nő (Picasso) (1920, Párizs) Nagy fürdőző (1921, Musee de l'Orangerie, Párizs) és Két nő fut a tengerparton (1922, Musee Picasso, Párizs). Egy másik neoklasszicista Fernand Leger (1881-1955) volt, akinek modernista munkái is voltak A gépész (1920, Kanadai Nemzeti Galéria) Három nő (Le Grand Dejeuner) (1921, Museum of Modern Art, New York) Aktok vörös háttér előtt (1923, Kunstmuseum, Bázel) és Két nővér (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlin). Picasso mellett a fiatal bécsi művész, Egon Schiele (1890-1918) volt talán az évszázad első igazán kiemelkedő figurafestője, nyugtalanító és esetenként groteszk önarcképeivel. Aztán jött az ugyanolyan vitatott Balthus, aki a fiatal lányok erotikus figurális ábrázolásaira összpontosított 1930–55.

A figurális hagyomány absztrakt szárnyát példázza Willem de Kooning (1904-97) holland származású amerikai művész. sorozat, melynek korai példája Ülő Nő (1944, Metropolitan Museum of Art). A nagy modern figurafestők egyike Lucian Freud, a német származású brit művész, Sigmund Freud pszichoanalitikus unokája. Fő témája az emberi test volt, amelyet általában meztelenül, mesterkélt pozíciókban ábrázoltak. Ritkán kiállított, emberi testet ábrázoló vásznai olyan remekműveket tartalmaznak, mint: Meztelen Ember Patkánnyal (1977) Meztelen lány tojással (1980) Bella (1982) és Festő és modell (1986).

A legújabb szó a figurafestésről, a fotorealizmusról egy modern művészeti mozgalom, amelyet Richard Estes (1932. sz.) Amerikai művész és Chuck Close vezetett. A fotorealista festők festményeket hoznak létre, amelyek színes fényképekhez hasonlítanak, de valójában aprólékosan kivitelezett festmények. Portréművészetük és figurafestményeik elképesztően életszerűek.


Da Vinci zenei kód látható az utolsó vacsorában

RÓMA (AP) - Ez egy új Da Vinci kód, de ezúttal tényleg lehet. Egy olasz zenész és számítástechnikus azt állítja, hogy Leonardo Da Vinci "Utolsó vacsora" -jába kódolt zenei jegyzeteket fedezett fel, felvetve annak lehetőségét, hogy a reneszánsz zseni komor kompozíciót hagyhatott maga mögött a 15. századi falfestményben ábrázolt jelenet kíséretében.

- Rekviemnek hangzik - mondta Giovanni Maria Pala. "Olyan ez, mint egy olyan hanganyag, amely Jézus szenvedélyét hangsúlyozza."

Az 1494 és 1498 között a milánói Santa Maria delle Grazie templomban festett "Utolsó vacsora" élénken ábrázolja az evangéliumi elbeszélés kulcsfontosságú pillanatát: Jézus utolsó étkezését a 12 apostollal letartóztatása és keresztre feszítése előtt, valamint Krisztus követőinek sokkját. megtudják, hogy egyikük el akarja árulni.

Pala, a 45 éves zenész, aki a dél-olaszországi Lecce város közelében él, 2003-ban kezdte tanulmányozni Leonardo festményét, miután hallott egy hírműsorban, miszerint a kutatók úgy vélték, hogy a művész és feltaláló zenei kompozíciót rejtett el a műben.

"Később többet nem hallottam róla" - mondta a The Associated Press interjújában. - Zenészként mélyebbre akartam ásni.

Az Olaszországban pénteken megjelent könyvében Pala elmagyarázza, hogyan vette át a festmény azon elemeit, amelyek szimbolikus értékkel bírnak a keresztény teológiában, és hogyan értelmezte azokat zenei nyomként.

Pala először látta, hogy ha a zenei bot öt vonalát áthúzza a festményen, az asztalon lévő kenyerek, valamint Jézus és az apostolok kezei egyaránt hangjegyet képviselhetnek.

Ez illeszkedett a keresztény szimbolika kapcsolatához a kenyér, amely Krisztus testét képviseli, és a kezek között, amelyek az étel áldására szolgálnak - mondta. De a jegyzeteknek zeneileg semmi értelme nem volt, amíg Pala rájött, hogy a partitúrát jobbról balra kell olvasni, Leonardo sajátos írásmódját követve.

Pala - a "La Musica Celata" ("A rejtett zene") című könyvében azt is leírja, hogyan találta meg a festményen azt a többi nyomot, amely felfedi a kompozíció lassú ritmusát és az egyes hangok időtartamát.

Az eredmény egy 40 másodperces "himnusz Istennek", amely Pala szerint a legjobban csőorgonán hangzik, amely eszköz Leonardo idejében leggyakrabban használt spirituális zenéhez. A darab CD-jéről vett rövid rész tartalmazta az orgonán játszott Bach-szerű passzust. A tempó szinte fájdalmasan lassú, de zenés volt.

Alessandro Vezzosi, a Leonardo szakértője és a szülővárosában, Vinciben a művésznek szentelt múzeum igazgatója azt mondta, nem látta Pala kutatásait, de a zenész hipotézise "hihető".

Vezzosi szerint a korábbi kutatások azt mutatták, hogy az apostolok kezei a festményen helyettesíthetők egy gregorián dallam jegyzeteivel, bár eddig senki nem próbált a kenyérkenyerekben dolgozni.

"Mindig fennáll annak a veszélye, hogy olyasmit látunk, ami nincs, de az biztos, hogy a terek (a festményen) harmonikusan vannak elosztva" - mondta az AP -nek. "Ahol harmonikus arányok vannak, zenét találhat."

Vezzosi azt is megjegyezte, hogy bár Leonardo inkább festményeiről, szobrairól és látomásos találmányairól volt híres, zenész is. Da Vinci lírat játszott és különféle hangszereket tervezett. Írásai tartalmaznak néhány zenei rejtvényt, amelyeket jobbról balra kell olvasni.

Az "utolsó vacsora" újraértelmezései azóta is felbukkannak, hogy a "Da Vinci-kód" lenyűgözte az olvasókat és a filmnézőket azzal a javaslattal, hogy a Jézus jobbján ülő apostolok egyike Mária Magdolna, hogy kettőjüknek gyermeke született és a vérük folytatódik.

Pala stressed that his discovery does not reveal any supposed dark secrets of the Catholic Church or of Leonardo, but instead shows the artist in a light far removed from the conspiratorial descriptions found in fiction.

"A new figure emerges — he wasn't a heretic like some believe," Pala said. "What emerges is a man who believes, a man who really believes in God."


Navajo Sandpaintings

The masks, prayersticks, and sandpainting altars that Navajo singers used were of Pueblo origin, but were reworked into distinctly Navajo forms Navajo Yeibichai--the dancers who embody Navajo Holy People--resemble Pueblo katsinam.

Több információ:

There are two schools of ceremonial blanket-makers -those who endeavor to make each rug a perfect replica of a sand-painting and so avoid the anger of the gods, and those who purposely change the details of the design in order to escape the curse. The members of the first school are medicine-men, or their women relatives, who perform elaborate ceremonies to placate the gods. The others are modern weavers who have cast off in large measure the ancient beliefs or have yielded to the temptation of greater profits. For to the average Navajo there is a curse attached to the making of a sand-painting blanket.

Navajo Sandpaintings, also called dry paintings, are called "places where the gods come and go" in the Navajo language. They are used in curing ceremonies in which the gods' help is requested for harvests and healing.

The figures in sand paintings are symbolic representations of a story in Navajo mythology. They depict objects like the sacred mountains where the gods live, or legendary visions, or they illustrate dances or chants performed in rituals.

Sandpaintings are but one rite in a ceremonial. From the distinct set of paintings that belong to a specific chant, the chanter selects those that will best heal the patient, never using the entire repertoire of paintings on a single occasion.

In the two-night form of a chant, one sandpainting is made, while the last four days of a nine-night ceremonial would have sandpaintings.

After its sanctification, the patient sits on the painting while the chanter performs a ritual to enhance the absorption of its healing power. Immediately afterward, the remains of the painting are taken outside to an area north of the hogan, where they are returned to the earth.

According to Navajo belief, a sandpainting heals because the ritual image attracts and exalts the Holy People serves as a pathway for the mutual exchange of illness and the healing power of the Holy People identifies the patient with the Holy People it depicts and creates a ritual reality in which the patient and the supernatural dramatically interact, reestablishing the patient's correct relationship with the world of the Holy People ( GriffinPierce 1992:43).

For the Navajo, the sandpainting is a dynamic, living, sacred entity that enables the patient to transform his or her mental and physical state by focusing on the powerful mythic symbols that re-create the chantway odyssey of the storys protagonist, causing those events to live again in the present.

The performative power of sandpainting creation and ritual use reestablish the proper, orderly placement of the forces of life, thus restoring correct relations between the patient and those forces upon which the patient's spiritual and physical health depend. The sandpainting works its healing power by reestablishing the patient's sense of connectedness to all of life ( Griffin-Pierce 1991:66).

THE GREAT PICTURES OF DSILYÍDJE QAÇÀL. (Sandpaintings)

A description of the four great pictures drawn in "The Mountain Chant" ceremonies has been deferred until all might be described together. Their relations to one another rendered this the most desirable course to pursue. The preparation of the ground and of the colors, the application of the sacred pollen, and some other matters have been already considered.

First Picture. The picture of the first day (Plate XV) is said to represent the visit of Dsilyi‘ Neyáni to the home of the snakes at Qo¢estsò.

In the center of the picture was a circular concavity, about six inches in diameter, intended to represent water, presumably the house of water mentioned in the myth. In all the other pictures where water was represented a small bowl was actually sunk in the ground and filled with water, which water was afterwards sprinkled with powdered charcoal to give the impression of a flat, dry surface.

Why the bowl of water was omitted in this picture I do not know, but a medicine man of a different fraternity from that of the one who drew the picture informed me that with men of his school the bowl filled with water was used in the snake picture as well as in the others.

Closely surrounding this central depression are four parallelograms about four inches by ten inches in the original pictures. The half nearer the center is red the outer half is blue they are bordered with narrow lines of white. The same figures are repeated in other paintings.

The Second Picture is said to be a representation of the painting, which the prophet saw in the home of the bears in the Carrizo Mountains (paragraph 40). In the center of this figure is the bowl of water covered with black powder, to which I referred before. The edge of the bowl is adorned with sunbeams, and external to it are the four ca‘bitlol, or sunbeam rafts, on which seem to stand four gods, or yays.

The Third Picture commemorates the visit of Dsilyi‘ Neyáni to Çaçò‘-behogan, or “Lodge of Dew” (paragraph 56). To indicate the great height of the Bitsès-ninéz the figures are twice the length of any in the other pictures, except the rainbows, and each is clothed in four garments, one above the other, for no one garment, they say, can be made long enough to cover such giant forms.

Their heads all point to the east, instead of pointing in different directions, as in the other pictures. The Navajo relate, as already told (paragraph 56), that this is in obedience to a divine mandate but probably there is a more practical reason, which is this: if they had the cruciform arrangement there would not be room on, the floor of the lodge for the figures and at the same time for the shaman, assistants, and spectators.

Economy of space is essential but, although drawn nearly parallel to one another, the proper order of the cardinal points is not lost sight of. The form immediately north of the center of the picture is done first, in white, and represents the east. That immediately next to it on the south comes second in order, is painted in blue, and represents the south.

The one next below that is in yellow, and depicts the goddess who stood in the west of the House of Dew-Drops. The figure in the extreme north is drawn last of all, in black, and belongs to the north. As I have stated before, these bodies are first made naked and afterwards clothed.

The exposed chests, arms, and thighs display the colors of which the entire bodies were originally composed. The glòï (weasel, Putorius) is sacred to these goddesses. Two of these creatures are shown in the east, guarding the entrance to the lodge.

The Fourth Picture represents the kátso-yisçàn, or great plumed arrows. These arrows are the especial great mystery, the potent healing charm of this dance. The picture is supposed to be a fac simile of a representation of these weapons, shown to the prophet when he visited the abode of the Tsilkè-¢igini, or young men gods, where he first saw the arrows .

There are eight arrows. Four are in the center, lying parallel to one another—two pointing east and two others, alternate, pointing west. The picture is bordered by the other four, which have the same relative positions and directions as the bounding serpents in the first picture. The shafts are all of the same white tint, no attention being paid to the colors of the cardinal points yet in drawing and erasing the picture the cardinal points are duly honored.

Among the central arrows, the second from the top, or north margin of the design, is that of the east it is drawn and erased first. The next below it is the arrow of the south the third is that of the west. The one on top belongs to the north it is drawn and erased last.

The heads are painted red to represent the red stone points used the fringed margins show the irregularities of their edges. The plumes at the butt are indicated, as are also the strings by which the plumes are tied on and the notches to receive the bowstring.


Was Emperor Nero Really as Monstrous as History Suggests?

From ancient texts to modern TV shows, depictions of the Roman emperor Nero have never been flattering. He’s known for murdering family members and strangers alike, as well as starting the Great Fire of Rome that destroyed much of the city in 64 A.D.—not to mention forcing audiences to sit through his terrible singing. But a new exhibition at the British Museum, “Nero: The Man Behind the Myth,” asks visitors to rethink their perceptions of one of the most powerful people in the ancient world.

As Jill Lawless reports for the Associated Press (AP), the show starts with an image from the 1951 film Quo Vadis. The emperor strums a lyre, evoking the famous expression “Nero fiddled while Rome burned.” Then, visitors learn that this story, like many tales of the emperor’s terrible behavior, is a myth.

“Our goal here is to show that this, however popular, image is actually based on very, very biased accounts and therefore we should challenge it,” curator Francesca Bologna tells the AP. “The Nero story is about how we should approach information, how we should always approach our sources critically. This is relevant for Nero, it’s relevant for historians, archaeologists, it is relevant for everyday people living their everyday lives.”

Among the artifacts on view are statues, weapons, jewelry and graffiti. Many come from the London cultural institution’s collection, but others are on loan from museums across western Europe.

The great-great-grandson of Rome’s first emperor, Augustus, Nero came to power in 54 A.D., when he was just 17 years old. He succeeded his stepfather Claudius—who, according to the exhibition, was probably not poisoned by Nero’s mother, as many stories suggest.

Fresco painting of a seated actor dressed as a king and female figure with a small painting of a mask, dated to between 30 and 40 A.D. (Ministero della Cultura / Museo Archeologico Nazionale di Napoli)

Accounts written in the decades after the ruler’s death in 68 A.D. portray him as decadent and violent, notes Charlotte Higgins for the Gyám. The Roman biographer Suetonius wrote that Nero entertained himself by wandering the city in disguise, stabbing people and throwing their bodies into the sewers. Tacitus, the famed historian and orator, describes him killing his pregnant wife, Poppaea, by kicking her in the stomach. Other accounts focused on the emperor’s opulent lifestyle and voracious sexual appetite.

Curator Thorsten Opper tells the Gyám that the writers who contributed to Nero’s awful reputation used a standard toolkit of shocking stories about sex and violence to boost their own agenda. They idealized the oligarchic Roman Republic, which ended about 80 years before Nero took power, and disapproved of populist rule by a single person. Opper explains that Nero tried to shore up his position by cultivating the support of ordinary Romans, creating anxiety among the traditional elite.

“The sources need to be seen as texts that have a clear agenda,” Opper says.

Valójában a Art Newspaper’s Maev Kennedy reports, Nero appears to have ruled well in many respects. He reformed the tax system, improved Rome’s food supply, and organized public works projects and popular entertainment like chariot races. He was more than 30 miles away from Rome when it caught fire, and in the disaster’s aftermath, he worked to rebuild the city. (Still, wrote Joshua Levine for Smithsonian magazine last year, Nero did scapegoat Christians for the fire, ordering many “burned in his own gardens, which conforms to the standard Roman legal practice of fitting the punishment to the crime.”)

The exhibition is not intended to glorify Nero. Opper tells the Art Newspaper that it’s likely the emperor murdered his mother or forced her to commit suicide. And it’s true that his grand palace, the Domus Aurea, was wildly extravagant. But Opper notes that murdering relatives and living in an opulent fashion were far from unfamiliar actions undertaken by Roman rulers.

A 17th-century sculptor restored this ancient bust of Nero, adding a cruel-looking mouth and large chin. (Musei Capitolini, Sala Imperatori, Rome)

“There was a lot of money sloshing around Nero’s Rome,” he tells the Art Newspaper. “Most of the Domus Aurea seems to have been dining rooms: lavish entertainment would have been expected of him, including hosting the entire Senate. And if you are going to invite 600 people to a banquet once a week, you are going to need a big dining room.”

“Nero: The Man Behind the Myth” places the emperor’s rule in its historical context, according to the AP. One section shows chains that bound enslaved workers forced to mine lead for the empire in Wales. During Nero’s reign, Celtic people in southern England, led by Queen Boudicca, rebelled against Roman rule the empire also faced war with the Parthian Empire, which was centered in what is now Iran.

Ultimately, facing intractable opposition from within the Roman government, Nero committed suicide at age 30. His death ended the Julio-Claudian Dynasty and led to a chaotic scramble for power known as the Year of the Four Emperors.

Accounts written by Suetonius, Tacticus and others cemented Nero’s villainous reputation for centuries. As Opper tells the Gyám, one bust in the exhibition was heavily restored in the 17th century. An artist who had clearly heard stories about the emperor’s depravity shaped the lower half of the face to create a distinctly unpleasant appearance that may or may not have much in common with the man himself.

“I am not setting out here to rehabilitate Nero as a blameless man,” Opper says to the Art Newspaper. “But I have come to the conclusion that almost every single thing we think we know about him is wrong.”

Livia Gershonról

Livia Gershon szabadúszó újságíró New Hampshire -ben. Írt többek között a JSTOR Daily, a Daily Beast, a Boston Globe, a HuffPost és a Vice számára.


John Gast, American Progress, 1872

Historian Martha A. Sandweiss demonstrates how John Gast’s 1872 painting, which was widely disseminated as a commercial color print, conveys a range of ideas about the frontier in nineteenth-century America.

John Gast, American Progress, 1872.
Chromolithograph published by George A, Crofutt.
Source: Prints and Photographs Division, Library of Congress.

John Gast, a Brooklyn based painter and lithographer, painted this picture in 1872 on commission for George Crofutt, the publisher of a popular series of western travel guides. Few Americans saw the actual painting, but many encountered it in reproduction. Crofutt included an engraving of it in his guidebooks and produced a large chromolithographic version for his subscribers. The painting is so rich in detail that my students—encountering it as a slide projected on a screen—usually imagine it to be a large canvas. But in fact it is tiny, just 12 3/4 x 16 3/4 inches in size.

I use this image early on in my western history classes for several reasons. First, even students with little experience in talking about visual images find it easy to talk about what they see here. Second, students quickly grasp that although the painting does not convey a realistic representation of actual events, it nonetheless expresses a powerful historical ötlet about the meaning of America’s westward expansion. This sparks a discussion about the ways in which ideas—whether grounded in material fact or not—can both reflect and shape human actions. Finally, after a discussion of the larger cultural ideas embodied in this image, we move to a discussion of Frederick Jackson Turner’s celebrated 1893 essay, “The Significance of the Frontier in American History.” Students quickly perceive that while Turner had a way with words, his argument was not wholly original. He distilled ideas already present in American popular thought and many of them are present in this painting, painted some two decades earlier.

As students begin to describe what they see, they quickly realize that they’re looking at a kind of historical encyclopedia of transportation technologies. The simple Indian travois precedes the covered wagon and the pony express, the overland stage and the three railroad lines. The static painting thus conveys a vivid sense of the passage of time as well as of the inevitability of technological progress. The groups of human figures, read from left to right, convey much the same idea. Indians precede Euro-American prospectors, who in turn come before the farmers and settlers. The idea of progress coming from the East to the West, and the notion that the frontier would be developed by sequential waves of people (here and in Turner’s configuration, always men) was deeply rooted in American thought.

Then, of course, there is that “beautiful and charming female,” as Crofutt described her, whose diaphanous gown somehow remains attached to her body without the aid of velcro or safety pins. On her head she bears what Crofutt called “the Star of Empire.” And lest viewers still not understand her role in this vision of American destiny, he explains: “In her right hand she carries a book—common school—the emblem of education and the testimonial of our national enlightenment, while with the left hand she unfolds and stretches the slender wires of the telegraph, that are to flash intelligence throughout the land.” The Indians flee from progress, unable to adjust to the shifting tides of history. The painting hints at the past, lays out a fantastic version of an evolving present, and finally lays out a vision of the future. A static picture conveys a dynamic story.

The ideas embodied in this painting not only suggest the broad sources for Turner’s essay about the importance of the frontier in American life, they suggest that his essay reached an audience for whom these ideas were already familiar. Students often imagine the issues raised by visual images to be peripheral to the more central questions raised by literary sources. The Gast painting, however, allows one to demonstrate the ways in which painters, too, could engage large historical questions, cultural stereotypes and political ideas, by using a visual vocabulary that viewers found both familiar and persuasive.


Nézd meg a videót: Painted leather bag with fantasy flowers